LORRAINE FERRIER

Banyak yang mengenal seniman Jepang Katsushika Hokusai  dari  lukisannya yang terkenal “Great Wave off Kanagawa” (Gelombang Hebat di Kanagawa). Namun Katsushika adalah “orang yang tergila-gila melukis”, seperti yang dia nyatakan di salah satu tanda tangannya, kata asisten kurator seni Jepang di Yayasan Jepang, Frank Feltens, dalam sebuah wawancara telepon.

Katsushika sangat kompulsif dalam keinginannya untuk melukis, jelas Frank. Lukisan Katsushika selama enam dekade adalah salah satu bagian dari pameran selama setahun yang dikurasi Frank: “Katsushika Hokusai: Mad About Painting” di Museum Nasional Seni Asia Smithsonian (Galeri Seni Freer dan Galeri Arthur M. Sackler). Pameran tersebut menunjukkan kecintaan Katsushika yang sangat besar pada lukisan.

Pameran dibuka pada November 2019, memperingati seratus tahun kematian pendiri Galeri Freer, Charles Lang Freer. Dan ini akan menjadi salah satu pertunjukan pertama yang dapat dinikmati pengunjung ketika museum dibuka kembali, yang tanggalnya belum diumumkan.

Detail dari “Breaking Waves,” 1847, oleh Katsushika Hokusai. Gulungan gantung; tinta dan warna pada sutra. Hadiah Charles Lang Freer, Freer Gallery of Art. (The Freer Gallery of Art dan the Arthur M. Sackler Gallery)

Pameran ini berfokus pada 120 karya Katsushika dari koleksi Charles L. Freer, yang merupakan koleksi sketsa, lukisan, dan gambar Katsushika terbesar di dunia. Charles menetapkan dalam surat wasiatnya bahwa koleksinya tidak boleh meninggalkan galeri.

Katsushika (1760–1849) hidup pada periode Edo Jepang (1603–1867), ketika negara itu tertutup bagi dunia luar dan budaya tradisional Jepang berkembang.

The Epoch Times: Katsushika adalah seniman yang produktif sampai dia meninggal. Coba ceritakan bagaimana Katsushika menjadi seniman.

Frank Feltens : Katsushika lahir di Edo, sekarang Tokyo. Sebagai seorang anak muda, dia magang di bengkel seorang pembuat seni grafis. Alih-alih belajar menjadi pelukis, dia justru magang dalam mengukir pelat balok kayu, cara mencetak, dan kemudian akhirnya menjadi desainer cetak. Pada awalnya, di usia belasan dan 20-an, ilustrasi-ilustrasi itu terutama digunakan untuk kibyoshi, atau “sampul kuning”; pada dasarnya sebutan untuk novel-novel murahan.

“Burung, Hewan, dan Tanaman dari Dua Belas Bulan,” sekitar tahun 1821–1833, oleh Katsushika Hokusai. Layar lipat enam panel; tinta dan warna di atas kertas. (Satu dari sepasang.) Karunia Charles Lang Freer, Galeri Seni Freer. (The Freer Gallery of Art and the Arthur M. Sackler Gallery)

Kemudian dia naik ke jenjang yang lebih  tinggi, menunjukkan bakat luar biasa sejak awal, jadi dia mulai membuat cetakan yang lebih rumit. Akhirnya, di usia 30-an, dia memutuskan untuk mendiversifikasi hasil karyanya dan juga bekerja sebagai pelukis.

Di akhir usia 60-an atau awal 70-an, Katsushika memutuskan untuk menjadi pelukis secara eksklusif, yang menurutnya merupakan profesi yang lebih mulia dan perwujudan keterampilan artistiknya yang lebih langsung daripada aspek padat karya dan agak komersial dari seni grafis.

The Epoch Times : Menurut Anda mengapa Katsushika harus menunggu begitu lama untuk menjadi pelukis ketika dia percaya itu adalah tradisi yang begitu mulia?

“Burung, Hewan, dan Tanaman dari Dua Belas Bulan,” sekitar tahun 1821–1833, oleh Katsushika Hokusai. Layar lipat enam panel; tinta dan warna di atas kertas. (Satu dari sepasang.) Karunia Charles Lang Freer, Galeri Seni Freer. (The Freer Gallery of Art and the Arthur M. Sackler Gallery)

Frank Feltens: Dikarenakan pembawaannya yang rendah hati. Dalam sistem magang tradisional Jepang, hal terpenting adalah belajar dan mengamati, daripada menghasilkan atau berkreasi sendiri. Usia tiga puluh tahun adalah awal yang relatif terlambat bagi seorang pelukis, tetapi ini bukan hal yang tidak biasa di Jepang. Banyak pelukis yang memisahkan diri dari profesi lain biasanya melakukannya di usia 30-an. Magang langsung sebagai pelukis sejak masa kanak-kanak dan remaja umumnya terjadi jika Anda lahir atau diadopsi menjadi salah satu pekerja studio lukisan besar seperti Kano atau Tosa, yang turun-temurun yang beroperasi di seluruh Jepang. Katsushika bukan bagian dari studio seperti itu, melainkan di industri lukisan balok kayu, jadi dia terutama fokus pada jalur itu sebagai pelatihannya.

The Epoch Times: Tolong ceritakan tentang pengaruh artistik Katsushika. Misalnya, apakah dia terinspirasi oleh budaya berbeda yang datang ke Edo, sekarang Tokyo?

Frank Feltens: Ya.  Jepang  sangat  terputus dari dunia luar pada periode Edo. Keshogunan Tokugawa, penguasa militer feodal, hanya mengizinkan impor yang sangat terbatas dan memiliki arahan untuk barang-barang yang dikurasi secara ketat dari dunia luar, tetapi itu hanya dalam teori. Perbatasan negara pulau Jepang jauh lebih keropos dari yang orang kira. Banyak benda dari dunia luar masuk: misalnya, buku sains Barat, gambar Barat, dan gambar dari Tiongkok dan tempat- tempat serupa.

“Gunung Fuji”, sekitar tahun 1830–1932, oleh Katsushika Hokusai. Layar lipat enam panel; tinta, emas, dan warna di atas kertas. (Satu dari sepasang.) Karunia Charles Lang Freer, Galeri Seni Freer. (The Freer Gallery of Art and the Arthur M. Sackler Gallery)

Tiongkok pada saat itu lebih banyak terpapar pada lukisan Barat dan menyerap aspek-aspek lukisan Barat yang berasal dari Renaissans, seperti perspektif satu titik, dan chiaroscuro (kontras dramatis antara cahaya dan bayangan).

Saya selalu menganggap Katsushika sebagai salah satu orang terbaik pada masanya, jika bukan dari seluruh periode Edo. Dia menyatukan yang terbaik dari semua dunia yang berbeda itu. Dan menurut saya, itulah salah satu alasannya mengapa karyanya masih sangat populer hingga saat ini, karena terlihat seperti Jepang, tetapi juga menarik bagi anggapan yang telah terbentuk sebelumnya yang biasanya dimiliki orang-orang di Barat dalam hal seni: recession objek dalam ruang, perspektif, dan kemudian naturalisme, perhatian pada fisiognomi, perhatian pada representasi, dan proporsi yang benar. Semua aspek itu sebenarnya tidak begitu berperan dalam seni lukis tradisional Jepang, karena estetika bekerja dengan cara yang berbeda. Tapi Katsushika menggabungkan semua ini ke dalam karya seninya dan menciptakan sesuatu yang pada masanya, sangat mencolok dan masih terlihat sangat mencolok hingga hari ini.

“Gunung Fuji”, sekitar tahun 1830–1932, oleh Katsushika Hokusai. Layar lipat enam panel; tinta, emas, dan warna di atas kertas. (Satu dari sepasang.) Hadiah Charles Lang Freer, Galeri Seni Freer. (The Freer Gallery of Art and the Arthur M. Sackler Gallery)

Secara umum, ukuran keunggulan seni lukis tradisional Jepang (yang ditulis oleh komentator dari akhir abad ke-17 hingga abad ke-19) adalah selalu belajar dari masa lalu dan menyalurkan pengetahuan tersebut menjadi sesuatu yang baru.

The Epoch Times: Salah satu gambar Katsushika yang mencolok adalah “Suikoden”. Tolong beritahu kami tentang lukisan itu.

Frank Feltens: Itu salah satu favorit saya. “Suikoden” pada dasarnya adalah kisah moral di mana perbuatan baik akan dihargai. Ini menggambarkan kisah Tiongkok yang terkenal tentang sekelompok 100 bandit. Kisah ini secara tradisional dikenal sebagai “Tepi Air” di Tiongkok. Penjahat tentu saja hidup sebagai masyarakat pinggiran, tetapi akhirnya para bandit ini membantu kaisar memenangkan pertempuran, jadi sang kaisar memaafkan mereka dan menyambut mereka kembali ke dalam masyarakat.

Ini cerita Tiongkok yang agak rumit, sangat populer di teater Jepang, terutama teater Kabuki, sehingga ada banyak lakon yang berfokus pada dongeng tersebut. Katsushika membuat beberapa karya cetak dengan subjek “Suikoden”. Jelasnya, dia tidak membaca cerita yang sebenarnya tetapi menonton teater, yang merupakan cara umum mengonsumsi literatur pada saat-saat tertentu.

Rincian “Suikoden”, sekitar tahun 1829, oleh Katsushika Hokusai. Gulir tangan; tinta, warna, dan emas di atas sutra. Hadiah Charles Lang Freer, Galeri Seni Freer. (The Freer Gallery of Art and the Arthur M. Sackler Gallery)

Lukisan itu adalah karya yang belum selesai; kami tidak tahu apakah itu sengaja tidak diselesaikan atau Katsushika tidak sempat menyelesaikannya. Jika sengaja dibiarkan, bisa menjadi pedoman bagi siswa tentang cara melukis. Misalnya, dalam seni lukis tradisional Jepang, jenis pekerjaan polikromatik ini membutuhkan banyak tenaga, sehingga biasanya tidak dilukis oleh satu seniman tetapi oleh seorang master dan murid-muridnya, jadi ada begitu banyak spirit kinerja Renaisans. Ada banyak tumpang tindih aliran Renaisans dan Jepang dalam karya tersebut, tanpa saling dipengaruhi secara langsung.

Dalam lukisan tradisional Jepang, pelukis master akan melukis garis luar, membuat komposisi, dan semua yang Anda lihat di sini, yaitu hitam-putih. Kemudian siswanya akan diminta untuk mengisi pakaian dan pola pada pakaian tersebut, semua perlengkapan yang dimiliki gambar tersebut. Pada akhirnya, sang maestro akan kembali melukis wajah tokoh-tokoh itu.

Rincian “Suikoden”, sekitar tahun 1829, oleh Katsushika Hokusai. Gulir tangan; tinta, warna, dan emas di atas sutra. Hadiah Charles Lang Freer, Galeri Seni Freer. (The Freer Gallery of Art and the Arthur M. Sackler Gallery)

Tetapi Katsushika membalikkan proses itu di sini, Anda dapat melihat ada beberapa wajah tokoh yang belum selesai sudah dilukis, sehingga Katsushika menjauh dari proses tradisional. Dan bagi saya, ini menunjukkan singkatnya Katsushika, karena dia sangat memperhatikan fisiognomi dan karakter benda, individualitas subjeknya — dan itu bukan hanya manusia tetapi juga sosok Dewa, atau bahkan ombak laut .

Jika Anda berpikir tentang lukisan “The Great Wave”, dia melihat esensi dari gelombang itu. Jadi “Suikoden”  Katsushika adalah manifesto bagi saya, manifesto yang tidak disengaja, memberi tahu pemirsa bahwa Katsushika mendapatkan karakter (inti dari sesuatu) pertama dan terutama, kemudian pindah ke karakteristik fisiknya.

Nelayan, Zaman Edo, 1849 oleh Katsushika Hokusai. Gulungan gantung; tinta dan warna pada sutra. Hadiah Charles Lang Freer, Galeri Seni Freer.

Sekadar  klarifikasi  tentang  bilah  hitam  yang  Anda  lihat  di  sini.  Itu  adalah CArtouches   yang   akan   ditorehkan   tulisan emas dari setiap nama bandit. Jika lukisan  itu  diselesaikan,  maka  itu  akan menjadi   gulungan   kertas   yang   sangat mewah.

Lukisan mewah seperti ini, yang dilukis dengan warna-warna mewah di atas sutra, akan menjadi sangat mahal pada saat itu, dan ini akan menjadi penghargaan bagi seseorang yang memiliki cukup kemampuan. Ketika dia membuat lukisan gulung, yang hampir di sepanjang karirnya sebagai pelukis, dia adalah seniman yang sangat dicari, salah satu pelukis yang paling dicari pada masanya. 

The Epoch Times: Tolong ceritakan tentang sepasang lukisan gulung-gantung dari penebang kayu dan nelayan.

Frank Feltens: Itu diproduksi dalam enam bulan terakhir masa hidupnya. Jika Anda mencermati lukisannya, dan jika Anda memiliki kesempatan untuk melakukannya di situs web kami, Anda akan melihat bahwa goresan garis pada tanda tangan dan goresan besar pada lukisan khususnya, bukanlah goresan yang mantap. Dalam lukisan-lukisan Katsushika sebelumnya, bahkan yang dibuat hanya satu atau dua tahun sebelumnya. Anda dapat melihat tangan gemetar dari seorang pria tua yang sedang sakit, yang tidak sepenuhnya menguasai kemampuan fisiknya lagi.

“Penebang Kayu,” 1849, oleh Katsushika Hokusai. Gulungan gantung; tinta dan warna pada sutra. Hadiah Charles Lang Freer, Galeri Seni Freer. (The Freer Gallery of Art and the Arthur M. Sackler Gallery)

Nelayan dan penebang kayu merupakan subjek yang membawa banyak makna budaya di Jepang. Mereka adalah subjek dalam teater Noh, yang merupakan bentuk teater Jepang abad pertengahan yang masih terus dipraktikkan. Namun mereka juga merupakan perwujudan dari Katsushika di kemudian hari. Wajah kedua karakter itu puas, dan mereka memiliki pelapis di kaki mereka. Penebang kayu dan nelayan dilukiskan telah menyelesaikan kerja kerasnya, dan mereka memamerkan hasil kerja keras itu. Dan di satu sisi, ini sedikit metafora untuk kehidupan Katsushika sendiri yang akan segera berakhir. (nit)

Wawancara  ini  telah diedit  agar jelas dan singkat

Video Rekomendasi :

 

Share

Video Popular